ŒUVRES POUR ORCHESTRE
Iannis Xenakis - Toshi Ichiyanagi - Yoichi Sugiyama
Iannis Xénakis (1922-2001)
Jonchaies (1977)
L'évolution décisive de l'art musical dans la seconde moitié du XXe siècle fut le passage du simple « plaisir » à la recherche de formes d'expression totalement nouvelles, jusqu'alors inimaginables. À cet égard, la carrière d’Iannis Xenakis est exemplaire de l’innovation artistique du XXe siècle. La musique d’Iannis Xenakis a été créée en appliquant des principes mathématiques et stochastiques à la création, à la résolution, à la distribution et à la densité des sons. Bien que le terme « mathématique » puisse suggérer quelque chose de froid et d’inhumain, tenter de concevoir des phénomènes à grande échelle – tels que les contours des nuages ou des volées d’oiseaux – nécessite inévitablement une façon de penser stochastique. En tant qu’architecte de formation, Xenakis a adopté cette méthode sans hésitation et a exploré ses possibilités jusqu’au bout.
Jonchaies, composée pour 109 instruments et créée en 1977, pourrait être considérée comme un pendant de la pièce électronique La légende de l'aigle qui a été conçu à peu près à la même époque. Bien que les deux pièces diffèrent grandement dans leur effet sonore, Xenakis a insisté sur le fait qu'elles sont basées sur le même concept mathématique de base. L'élément central de Jonchaies est une gamme spatialisée, sans octave, basée sur la théorie dite du tamis, rappelant l'échelle javanaise Pelog (mi–fa–sol–h–do). Cette échelle s’élargit et se transforme au fil de la pièce, créant un paysage sonore saisissant et envoûtant. L'œuvre débute par un glissando de cordes orageux, interrompu à plusieurs reprises par une note stridente dans un registre aigu, rappelant l'atmosphère tendue du film d'Hitchcock. Psycho ça fait réfléchir. Peu de temps après, les timbales retentissent et une mélodie clairsemée basée sur l'échelle pélog émerge. Cette introduction est certainement l’un des débuts les plus impressionnants de l’œuvre de Xenakis. La torsion et l'enroulement des cordes à dix-huit voix créent une expression qui, assez étrangement, évoque une certaine nostalgie. Mais comme Xenakis lui-même l'a noté : « Cette pièce commence bruyamment, puis des éléments périodiques sont insérés au moyen de fonctions stochastiques » – les structures rythmiques se déplacent progressivement, la pulsation étant accentuée par la percussion. Un long crescendo monte progressivement jusqu'à une intensité presque sauvage qui glisse presque vers le chaos. Une fois la tempête passée, un espace sonore calme et doux émerge, caractérisé par des glissandi de trombone. À la fin de la pièce, seules les notes les plus aiguës du piccolo demeurent, tandis que les réverbérations des sons de cuivres s'estompent dans diverses directions.
Toshi Ichiyanagi (1933-2022)
Double Concerto pour violon, shamisen et orchestre (2021)
Toshi Ichiyanagi, né au Japon en 1933, a déménagé aux États-Unis après avoir obtenu son diplôme d'études secondaires pour étudier à la Juilliard School. C'est là qu'il rencontre John Cage, dont la musique l'influence profondément, et s'ensuit une période de collaboration étroite. À son retour au Japon en 1961, il emporte avec lui le style aléatoire de Cage et présente simultanément une série de ses propres œuvres expérimentales, qui provoquent un grand émoi sur la scène musicale japonaise. Mais sa carrière ne s’est pas arrêtée avec ces premières innovations. À partir des années 1970, il intègre rapidement des techniques de répétition dans sa musique et, au début des années 1980, il a déjà réalisé plusieurs œuvres de grande envergure – opéras et oratorios – qui semblent unir et réconcilier ses approches antérieures. Son esprit d’expérimentation a perduré jusqu’à la fin de sa vie. Ichiyanagi a constamment remis en question la nature du temps et de l’espace ; Pour lui, les deux dimensions étaient indissociables. Cette perspective, qui rappelle celle de Cage, correspond également à la sensibilité japonaise envers la nature et la temporalité.
La dernière composition d'Ichiyanagi était la Double Concerto pour violon, shamisen et orchestre, achevé à l'âge de 89 ans. Le choix du violon occidental et du shamisen japonais comme instruments solistes pour un double concerto est extrêmement inhabituel ; Lou Harrison Concerto pour instruments gamelan et violoncelle serait l'une des rares pièces comparables. Il semble même que ce soit la première fois que le violon et le shamisen soient combinés de cette manière. Mais c’était plus qu’une simple nouveauté : Ichiyanagi cherchait depuis les années 1980 des moyens de réunir les langages musicaux orientaux et occidentaux. Le double concerto représente l’un des points forts de son engagement de longue date sur cette question.
L’absence d’instruments à vent est frappante ; L'orchestre comprend plutôt quatre ensembles de percussions qui déploient une remarquable palette de timbres. Le premier mouvement commence avec le violon solo ; Bientôt le shamisen se joint à eux, et dès le début on entend un geste semblable à une cadence. Le shamisen joue une séquence d’accords rapide, l’orchestre se joint à lui et une texture complexe se développe immédiatement. Les gestes caractéristiques du shamisen sont transférés aux cordes, en particulier au violon solo, créant un effet sonore vivant et mémorable.
Le deuxième mouvement pourrait peut-être être décrit comme le type de minimalisme propre à Ichiyangi. Les instruments solistes sont entrelacés avec des répétitions incessantes des altos et des violoncelles, ce qui donne lieu à une variété d'ambiances. Au milieu, les tambours, le violon et le shamisen se réunissent dans un passage fluide dans lequel s'entremêlent progressivement les flux temporels influencés par l'Orient et l'Occident. Finalement, le matériau initial revient, les motifs de répétition apparaissant dans les cordes graves. Dans les derniers instants de la pièce, les rythmes des instruments solistes s'unissent pour créer une résonance riche et puissante. Cette conclusion émouvante représente l’accomplissement de la vie artistique d’Ichiyanagi.
Yoichi Sugiyama (* 1969)
Autoportrait (2020)
Yoichi Sugiyama, né à Tokyo en 1969, a commencé à étudier la composition avec Akira Miyoshi à l'âge de douze ans et a ensuite obtenu son diplôme de l'école de musique Toho Gakuen. Là, il a également étudié la direction d'orchestre avec Morihiro Okabe. À partir de 1995, grâce à une bourse du gouvernement italien, il étudie la composition avec Franco Donatoni et Sandro Gorli et la direction d'orchestre avec Emilio Pomarico. Après avoir déménagé à Milan, Sugiyama a construit une carrière de compositeur et de chef d'orchestre. Il a reçu des commandes de nombreuses institutions japonaises et internationales, notamment Milano Musica, la Biennale de Venise et le Suntory Hall Summer Festival. En tant que chef d'orchestre, il a travaillé avec des ensembles renommés tels que l'Orchestre symphonique de la NHK, l'Orchestre philharmonique de Tokyo, l'Orchestre RAI, le Teatro Comunale di Bologna, l'Ensemble Modern et le Klangforum Wien. Il se consacre également à la formation de jeunes musiciens et enseigne actuellement à l'Académie de musique Claudio Abbado de Milan.
Autoportrait [Autoportrait] a été composé en 2020, alors que la pandémie de coronavirus balayait le monde et faisait de nombreuses victimes à Milan, où vit Sugiyama. En réponse à ces circonstances, il a créé un autoportrait musical inhabituel.
Cette œuvre orchestrale sert de chronique sonore des guerres, des conflits et des troubles sociaux qui ont éclaté dans le monde au cours des 50 dernières années, de 1969, année de naissance de Sugiyama, à 2020, date à laquelle la pièce a été achevée. Son approche compositionnelle est la suivante : Tout d'abord, Sugiyama cite Juan Bautista Cabanilles Bataille impériale, un morceau qu'il entendait souvent lorsqu'il était enfant. Après cette introduction vient une longue série de références aux conflits mondiaux. Pour chaque événement, l'hymne national correspondant (ou, dans le cas de guerres civiles, l'hymne régional) est joué. Chaque nouvelle année est annoncée par un battement sur un grand tambour, et un collage d'hymnes nationaux superposés émerge. L'hymne du parti belligérant attaqué est toujours joué en premier. Par exemple, lors de la guerre du Vietnam, c'est l'hymne national du Sud-Vietnam qui est joué en premier.
Une couche supplémentaire de complexité est ajoutée par la division géographique de l’orchestre. Les instruments à vent représentent des pays d’Asie du Sud, d’Europe centrale, d’Irlande du Nord, etc. les cuivres jouent les hymnes nationaux des États post-soviétiques. Les premiers violons jouent les hymnes africains, les seconds violons ceux de la péninsule arabique, les violoncelles ceux de l'Indonésie, des Philippines, de la Corée du Sud, de la Chine et des régions voisines, et enfin les contrebasses les hymnes d'Amérique centrale.
Trois événements majeurs – la chute du mur de Berlin, la dissolution de l’Union soviétique et les attentats terroristes du 9 septembre – sont traités comme des exceptions en étant marqués par le son de cloches tubulaires. À travers ce schéma complexe, l’œuvre entière raconte la sombre histoire de la guerre mondiale. Ses sons denses et agités reflètent les bouleversements du monde. La pièce se termine par un signal funéraire italien à la trompette – symbolisant les victimes quotidiennes de la pandémie, dont les funérailles en Italie étaient accompagnées précisément par ce son.
Yuji Numano
Traduction : Wieland Hoban