MUSIQUE ÉLECTRISANTE
Avec les mouvements d’avant-garde historiques du futurisme, du surréalisme et du dadaïsme qui ont débuté après 1900, l’art est entré dans une ère où il n’y avait plus de style généralement contraignant. Le futurisme témoigne notamment de l’enthousiasme pour le progrès de cette époque, qui voyait son salut dans la mécanisation du monde. L'électrification de la musique qui en a résulté, tant au niveau de l'enregistrement (invention du phonographe par Thomas Alva Edison en 1878) que de la construction instrumentale (en 1900, Thaddeus Cahill a construit un dynamophone, sorte d'orchestre électronique), a permis un saut qualitatif qui n'avait été possible auparavant qu'avec l'invention de la notation musicale. Pour la première fois, les moyens artistiques semblent illimités ; pratiquement tout ce qui vient à l’esprit d’un artiste peut devenir de l’art. Et tandis que dans les arts visuels, l'« imitatio naturae » séculaire cède la place à l'abstraction, dans la musique, le bruit devient socialement acceptable, c'est-à-dire h. la représentation concrète de la nature peut être incluse dans un processus de composition.
Le Trautonium, inventé par Friedrich Trautwein et nommé d'après lui, avait un avantage imbattable. Contrairement au thérémine, inventé au début des années 20 et fonctionnant essentiellement avec les différences de tonalités sinusoïdales à haute fréquence, le Trautonium fonctionne avec les oscillations de fréquence audio des lampes à incandescence. Ils fournissent un son de base riche en harmoniques, ce qui permet un type de modulation de formants via des filtres, similaire à la façon dont les voyelles se forment dans le larynx humain. La modulation de ces formants permet d'obtenir des timbres très divers, ainsi que l'imitation de bruits d'animaux ou de machines.
En revanche, le thérémine, inventé par Lev Termen en Russie en 1921, possède un spectre de couleurs limité en raison des tons sinusoïdaux qu'il utilise. Et même des contemporains éclairés comme Franz Kafka ont classé ces inventions comme des « machines fantômes ». Trautwein, en revanche, a rendu possible un nouveau type de jeu de timbre grâce à la sommation des harmoniques et à leur variation. Cela aurait difficilement été possible avec une telle précision avec un orchestre traditionnel, et il est étonnant qu'un compositeur comme Arnold Schoenberg, pour qui le paramètre du timbre était extrêmement important au moins depuis son mouvement « Couleurs » de l'op. 16, n'a pas repris cet instrument. L’« air d’autres planètes », qu’il laissait d’abord souffler à travers sa dodécaphonie dans le 2e Quatuor à cordes, restait filtré à travers des tonalités également accordées. En revanche, le thérémine et le trautonium sont joués en continu, le premier sans contact dans l'air, le second sur des cordes.
La « musique électrique », comme Trautwein l’appelait initialement, se voulait à la fois continue et sans tonalité, contrairement à la dodécaphonie. Et ses protagonistes, contrairement à Schoenberg (le révolutionnaire involontaire), avaient certainement l’ambition de révolutionner la musique par leurs inventions. Il semble presque étrange aujourd'hui que Lev Termen ait même été autorisé à faire une démonstration de son instrument à Lénine, qui l'a ensuite essayé lui-même en entonnant la chanson L'Alouette de Michael Glinka. Après la démonstration, Lew Termen a reçu un laissez-passer ferroviaire annuel pour faire des démonstrations de l'instrument dans tout le pays. Et le collègue de Trautwein, Oskar Sala, a dû auditionner pour Goebbels afin de pouvoir continuer à donner des concerts et à mener ses recherches. L'enthousiasme de Goebbels pour cet instrument, qu'il connaissait grâce au film d'Arnold Fanck, Tempêtes sur le Mont Blanc (avec Leni Riefenstahl, qu'il idolâtrait, comme protagoniste), était limité car il ne pouvait être utilisé à des fins de propagande que dans une mesure limitée. Il autorisa néanmoins Sala à continuer à travailler (la musique du film fut composée par Paul Dessau et Edmund Meisel, ce dernier étant célèbre pour sa musique pour le Cuirassé Potemkine de Sergueï Eisenstein. Dans le film de Fanck, l'as de l'aviation nazi Ernst Udet survole le Mont Blanc, et le Trautonium fournit également les bruits du moteur et du vent).
Malgré l'attention spectaculaire que beaucoup des premiers instruments de musique électroniques ont reçue après leur invention, ils n'ont pu maintenir leur position dans l'industrie de la musique qu'après la Seconde Guerre mondiale, en partie à cause de leur difficulté de manipulation. Et ce malgré le fait que sans de tels instruments, le développement du synthétiseur, ainsi que celui de la musique électronique en général, serait impensable. Et même pour composer avec des instruments conventionnels, l'invention du Theremin, du Trautonium ou des Ondes Martenot (la variante française) avec peut-être l'effet le plus spectaculaire pour tous, le glissando, est d'une importance capitale. La dernière chanson des Beatles sur l'album » Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band«, A Day in the Life, contient deux glissandi aléatoires inspirés de Karlheinz Stockhausen. Ils témoignent du mouvement ondulatoire substantiel, des éternels hauts et bas par lesquels la musique se constitue au fil du temps.
Le Mixturtrautonium
En 1927, l'Institut expérimental de radio (RVS) a été fondé à l'Université de musique de l'État de Berlin dans le but de rechercher la relation entre la musique et la technologie à la radio. C'est pourquoi Friedrich Trautwein y fut nommé professeur d'acoustique musicale en 1929. En collaboration avec Paul Hindemith (1895-1963), Trautwein développa le Trautonium, qui fut présenté pour la première fois en public lors du festival de musique « Neue Musik Berlin 1930 » avec des compositions de Hindemith. Oskar Sala (1910–2002), Paul Hindemith et le pianiste Rudolph Schmidt ont joué.
Le Trautonium était à l'origine un instrument monophonique et le premier capable de produire des sons en utilisant des oscillations à haute fréquence pour la modulation de fréquence (la base du synthétiseur développé plus tard par Le Cain, Buchla, Moog et d'autres). Le développement ultérieur du Trautonium est inextricablement lié à Oskar Sala, un élève de Hindemith, qui a développé le Volkstrautonium, le Rundfunktrautonium et le Konzerttrautonium dans les années 1930, puis le Mixturtrautonium à la fin des années 1940.
Une particularité du Mixturtrautonium sont les diviseurs de fréquence, qui permettent de générer des accords à partir d'un ton fondamental en utilisant la série de fréquences sous-harmoniques, qui appartiennent à la série de tons naturels et non au spectre bien tempéré. Ceux-ci peuvent être stockés via une matrice et attribués aux sons individuels joués.
Oskar Sala a utilisé le Trautonium pour composer la musique de plus de 300 films, dont Les Oiseaux d'Alfred Hitchcock. La différence la plus évidente avec les synthétiseurs modernes est l’absence de clavier conventionnel. Le Mixturtrautonium est joué via deux claviers à cordes, qui sont pressés sur un rail métallique, permettant des glissandi continus ainsi que des créations de sons et d'accords.
HARALD GENZMER (1909-2007)
Kantate für Sopran und elektronische Klänge (1969)
Harald Genzmer, élève de Hindemith, a composé plusieurs concertos pour Mixturtrautonium et orchestre, ainsi que la cantate pour soprano et sons électroniques, qui est enregistrée ici pour la première fois dans son intégralité. Dans le premier enregistrement enregistré dans les années 70, il manquait une phrase. Peter Pichler a trouvé le matériel musical de cette œuvre dans le manuscrit de Genzmer conservé à la Bibliothèque d’État de Munich. La base lyrique de l'œuvre est le monde mystique des légendes des Gaëls et des Vikings (vers 790-1070 après J.-C.). Les textes de la cantate proviennent du recueil de poésie Irish Harp de Hans Trausil ; Ce sont des chants funéraires sur la perte d'un être cher.
Paul Hindemith (1895-1963)
Das Unaufhörliche (1931)
Un oratorio profane sur le changement incessant de la création. Le Air de soprano (n° 4) est la pièce la plus populaire de l'œuvre. Dans cet enregistrement, Peter Pichler joue toutes les parties orchestrales avec le Mixturtrautonium. L'écrivain et médecin Gottfried Benn a écrit à propos de son texte lyrique pour l'œuvre : « Nous ne savons rien de la création, si ce n'est qu'elle est transformée – et l'incessant est censé être une expression de ce contexte le plus large de la vie, de son principe élémentaire de transformation et de l'agitation incessante de ses formes. » Hindemith a également utilisé cet air peu de temps après avoir terminé l'oratorio comme mouvement lent dans sa pièce de concert pour Trautonium et orchestre à cordes.
PAUL DESSAU (1894-1979)
Die Verurteilung des Lukullus (1951) Extraits
Dans l’opéra, le général Lucullus, représentant tous les despotes, est condamné au « néant » par un tribunal de ses victimes. Paul Dessau, comme son collègue Hindemith, était fasciné par les possibilités du Mixturtrautonium et intégrait ses sons spectaculaires pour le « Rien » dans son opéra La Condamnation de Lucullus. La musique doit sonner comme si elle venait d’un royaume des ombres – pas du paradis, ni de l’enfer. L'opéra n'a été joué que quelques fois dans les années 50 avec le Trautonium. Après la construction du mur, cela n’était plus possible. Ce n'est qu'après la chute du mur de Berlin que l'opéra, très populaire en RDA, fut redécouvert en RFA. Avec Peter Pichler, il a été à nouveau interprété pour la première fois dans la production de Stuttgart en 2021 par l'équipe de mise en scène HAUEN UND STECHEN dans son instrumentation originale.
HENRY PURCELL (1659-1695)
When I am laid in Earth (vers 1688)
Henry Purcell, décédé en 1695 à l'âge de 36 ans, est appelé « Orpheus Britannicus » en Angleterre (une belle référence également à Gottfried Benn, qui attribue des traits orphiques à l'artiste dans son célèbre poème Orphée). Le lamento final du seul opéra de Purcell, Didon et Enée, adapté par Peter Pichler pour soprano et trautonium, n'est qu'à première vue un corps étranger dans le contexte de ce CD. Le librettiste de Purcell, Nahum Tate, a pris le matériau de l'opéra de l'Énéide de Virgile. Il s'agit de l'amour entre le prince troyen Énée et la reine carthaginoise Didon. La complainte décrit le mal d'amour de Didon après qu'Énée ait dû quitter Carthage sur ordre de Jupiter (Zeus). Parce qu'Énée, après ses expériences dans la guerre de Troie, croit qu'il doit placer les prétendues instructions des dieux au-dessus de ses vœux d'amour, il abandonne sa bien-aimée. Didon meurt d'un cœur brisé à la fin de l'opéra. La structure musicale est caractérisée par un chromatisme descendant, comme pour suggérer le voyage de Didon dans l'Hadès (comme dans Eurydice). Le Trautonium est également une instrumentation réussie dans la mesure où, comme le célèbre harmoniseur « Publison Infernale », inventé bien plus tard, il peut symboliser ce processus à travers le son de la viole d'amour. Étant donné que la musique « ancienne » a été adaptée au Trautonium, à l’instar du thérémine, depuis son invention, Peter Pichler suit également une « pratique d’interprétation historique », par laquelle le terme prend ici un nouveau contexte.
PETER PICHLER
Die sieben Todsünden · Die sieben Tugenden (2024)
Les pièces de Peter Pichler sont des études de personnages dans les deux sens du terme. Cela fait référence à la signification musicale ainsi qu’au contenu. Fondées sur la théorie baroque des affects (une belle référence à l’air de Purcell qui précède celui-ci), ces études de « mélodies de timbre » et de texture cherchent à retracer les personnages ou affects nommés. Ces pièces constituent également un défi particulier en termes de technique de jeu, car l'ajout du rail dit Doepfer a rendu possible un véritable contrepoint à trois voix. Les Sept Péchés Capitaux s'inspire du ballet du même nom de Bertolt Brecht avec une musique de Kurt Weill, auquel il y a également des allusions. Les sept vertus sont la contre-proposition programmatique, peut-être aussi une référence ironique aux Favoris du petit musicien électronique de Hindemith.
Quoi qu'il en soit, ces 14 aphorismes montrent que l'instrument peut également fonctionner parfaitement avec la musique d'aujourd'hui. Les pièces de Peter Pichler ne peuvent être cataloguées, mais recherchent plutôt l'intemporalité à travers des changements de style, combinant ainsi progrès musical et tradition.
Detlef Heusinger
Peter Pichler à propos de ses compositions pour cet album
Ce projet met en lumière la diversité et la puissance expressive du Trautonium et le place dans le contexte de questions existentielles intemporelles. Il combine références historiques, sophistication technique et innovation artistique pour créer une expérience musicale unique.
Die sieben Todsünden
Hochmut
Une superposition rythmique dans laquelle des rythmes lents rencontrent des contre-rythmes chatoyants. La voix de l’ordinateur – »PEUT-JE PRÉSENTER« / »TRAUTONIUM« / »STOP – NON« – symbolise la fierté des créations technologiques, mais est contrecarrée par des problèmes et des interruptions. Dans cette pièce, différents rythmes se superposent.
Geiz
Un duo douloureux du Trautonium avec un orgue d'église généré, amplifié par l'unité d'effets « Ibanez DM 2000 » - un paysage sonore de retenue égoïste.
Wollust
Le Trautonium cite Strange Fruit (chanson contre le racisme) et le met en contraste avec le Trio pour piano D 929 de Schubert. Les transitions sont créées par des groupes de sons, des bruits et des effets dramatiques (tels que des cris ou des rires). Le Trautonium les crée avec des clusters, des bruits et des rires.
Zorn
Les rythmes percutants des percussions intégrées du Trautonium, accompagnés de sons d'orgue mélancoliques, mènent à un espoir sonore au-delà de la disharmonie.
Völlerei
Un rythme agressif et rapide combiné à des accords sous-harmoniques, un générateur de bruit et des convertisseurs de fréquence créent un paysage sonore expansif.
Neid
Inspiré d'une pièce de A. L. Kennedy. Une institutrice et un tueur pris entre l'amour, la trahison et le meurtre – une scène de thriller psychologique. Le Trautonium reflète le pouvoir destructeur de l'envie dans les rythmes cardiaques et les vibrations en dents de scie.
Faulheit
Un jeu de sous-harmoniques. Les notes s'ajoutent progressivement jusqu'à ce que des accords étranges s'écoulent dans toutes les directions, une inertie qui bascule dans l'inquiétant. Dans cette composition, vous pouvez entendre le jeu avec le générateur sous-harmonique. Au cours des 16 premières secondes, une note après l'autre est ajoutée par le générateur sous-harmonique : d'abord quatre notes sur le manuel supérieur, puis quatre notes sur le manuel inférieur. Le jeu avec des accords effrayants, macabres et inquiétants peut commencer.
Die sieben Tugenden
Demut
Des rythmes précipités rencontrent des accords subharmoniques. Les mélodies du Doepfer Trautonium sautent à travers la pièce comme des syncopes et racontent le voyage de l'humilité.
Mildtätigkeit
Des couches de son et de rythme racontent une histoire comme si nous vivions dans une terre miséricordieuse. L'acte apparemment doux d'Albert Lockwood est souligné par des contrastes sonores entre douceur et violence. Il passe à l'action et tue un homme innocent, le libérant ainsi de sa roue de hamster. Nous entendons la voix d'Edmund Telgenkämper.
Keuschheit
Une mélodie chromatiquement descendante, accompagnée d'accords, menant finalement de do dièse majeur à do majeur. Une introduction chaste à l'orgue et au mélange trautonium.
Geduld
Au rythme d'une valse, le Trautonium raconte une histoire de Cendrillon. La mélodie du manuel supérieur (OM) danse sur l'accompagnement du manuel inférieur (UM). La chanson de Cenicienta (Cendrillon). Deux citations : « Les bons sont dans le pot, les mauvais dans le berceau » / « Je me fiche de ce que les gens pensent de moi, car je crois en moi. Et je sais que tout ira bien. » L'UM joue l'accompagnement en 3/4, l'OM joue la merveilleuse mélodie de Cendrillon.
Mäßigung
Une composition plus conventionnelle, écrite en 2022 pour Pamela Rachholz. Il présente un orgue et le Trautonium en interaction avec des timbres fluides.
Wohlwollen
La voix synthétisée du synthétiseur vocal historique « Voder » est accompagnée par le Trautonium. Il reprend ironiquement les premiers mots de Voder – un commentaire sur la synthèse du langage et de la machine. Les premiers mots de l’ordinateur vocal étaient « buvez tout le monde ». Le Voder utilisait des oscillateurs électriques pour générer les fréquences des formants.
Fleiß
Les rythmes du travail industriel symbolisent le mouvement industrieux et le dynamisme de la créativité. Une pièce moderne d'inspiration punk pour Trautonium conclut le cycle.